Artă și design în New York-ul anilor 1960

Recenzii ale cititorilor

În prezent, nu există recenzii ale cititorilor. Evaluarea se bazează pe 2 voturi.

Titlul original:

Art and Design in 1960s New York

Conținutul cărții:

Atunci când Robert Rauschenberg își amintea de faptul că Josef Albers îi învăța pe studenți că arta lor trebuie să aibă de-a face cu "întreaga lume vizuală", el sugera un tărâm cuprinzător al expresiei vizuale din care Albers dorea ca studenții săi să se inspire. Dincolo de găsirea inspirației doar în obiectele de artă plastică, Albers îi împingea să privească în afara limitelor studiourilor și sălilor de clasă și pe străzi, unde s-ar fi confruntat cu vizualitatea culturii de masă; prin urmare, Albers a elaborat temele folosind exemple de design tipografic și imagini tipărite extrase din publicațiile populare ale vremii. Privind cu atenție aceste imagini tipărite, artiști precum Rauschenberg au învățat nu numai că inspirația vizuală poate fi găsită în obiectele cotidiene, ci și că acele obiecte sunt, de asemenea, produse ale unor decizii estetice, că au fost concepute. Deși istoricii și criticii de artă au întâmpinat uneori cu disconfort funcționarea vizuală a imaginilor de masă, implicarea simultană a culturii în design și obiecte de artă are o istorie lungă și semnificativă. Cartea mea ar fi printre primele care examinează un moment al acestei istorii prin explorarea intersecției critice dintre artă și design grafic în New York în perioada 1959-1972.

Discutarea legăturii dintre artă și design prin congruențe formale poate părea cea mai oportună, însă această strategie poate limita investigarea mai profundă a influenței reciproce împărtășite de aceste două domenii de producție. Într-adevăr, presupunerea că există pur și simplu - și numai - o legătură vizuală între design și artă a stat la baza celei mai mari părți a istoriei artei care a abordat acest subiect. Cu toate acestea, această metodologie presupune că influența imaginilor populare asupra artei plastice funcționează doar într-o singură direcție și că mișcări precum Pop art împrumută motive din cultura de masă și apoi le "ridică" la rang de artă înaltă. Acest lucru ignoră orice influență pe care arta ar putea-o avea asupra designului și designerilor, o influență care are un impact considerabil asupra lumii noastre vizuale. În plus, aceasta are rolul de a plasa în mod constant imaginile de masă într-o poziție inferioară, negativă, deoarece presupune întotdeauna complicitatea designului în industria culturală. Cu toate acestea, arăt că nu tot designul este realizat în scopuri comerciale. Designul cu intenții civice - cel dezvoltat pentru semnalizare, mobilier stradal și hărți de metrou - nu a avut loc într-o astfel de formulare și, prin urmare, nu a fost niciodată inclus în mod serios în discuțiile despre istoria artei, chiar și în cele care iau în considerare designul.

Având în vedere limitele unei abordări formaliste, merg dincolo de asemănările vizuale ale artei și designului pentru a descoperi sistemele logice comune artiștilor și designerilor, precum și procesele lor. Presupun o asemănare de familie între design.

Și arta și, prin urmare, folosesc astfel de asemănări pentru a expune sintaxa pe care o au în comun. Prin urmare, folosesc o privire mai cuprinzătoare asupra "lumii vizuale" a New York-ului anilor 1960 și examinez designul și arta în paralel pentru a explora modul în care relația lor s-a manifestat în moduri mai profunde decât s-a realizat până acum. Imaginea izolată, frontală, reprodusă mecanic, de exemplu, este împărtășită atât de campania publicitară pentru Volkswagen a lui Doyle Dane Bernbach de la sfârșitul anilor 1950, cât și de imaginile serigrafice ale lui Andy Warhol. Mișcarea împotriva panourilor publicitare de la mijlocul secolului oferă o oportunitate de a investiga conștientizarea de către Robert Rauschenberg a culturii vizuale care exista în afara studioului său din centrul New York-ului, prin utilizarea semnelor stradale în combinațiile sale urbane, dar deschide, de asemenea, o cale de explorare a disconfortului unor designeri precum Peter Chermayeff și Milton Glaser față de publicitatea exterioară. Logica din spatele amplasării indicatoarelor - în care designerii urmăresc pietoni inconștienți pentru a vedea unde semnele îi dezamăgesc - este reluată în spectacolul lui Vito Acconci, Following Piece, în care artistul își urmărea țintele până când acestea intrau într-un loc privat.